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Aug 12, 2023

Bei Mitchell präsentieren drei Künstler ihre Visionen

Kunst & Kultur | Kostenlose öffentliche Bibliothek von New Haven | Bildende Kunst Armando Erba neben seinem Gemälde Serbisches Kind. Abiba Biao Fotos. Das Erste, was einem an Armando Erbas Gemälde „Serbisches Kind“ auffällt

Kunst & Kultur | Kostenlose öffentliche Bibliothek von New Haven | Bildende Kunst

Armando Erba neben seinem Gemälde Serbisches Kind. Abiba Wunderschöne Fotos.

Das erste, was an Armando Erbas Gemälde Serbisches Kind auffällt, ist die Textur, die buchstäblich von der Leinwand springt. Es ist mit bloßem Auge gut zu erkennen, da die Acrylfarbe Klumpen und Grate erzeugt. Die abwechslungsreichen, erhöhten Flächen halten das Interesse des Betrachters aufrecht.

Als das Kind auf der Leinwand durch die Ritzen hinter dem Zaun schaut, runzelt es die Stirn – aber in seinen Augen strahlt ein Hoffnungsschimmer. Es spiegelt den strahlend blauen Himmel und die grüne Wiese dahinter wider.

Erbas Werk ist Teil der Ausstellung „Tri-Facet Visions“, die bis zum 31. August in der Mitchell-Filiale der New Haven Free Public Library zu sehen ist. Die Ausstellung ist in Mitchells Harrison Street-Programmraum installiert und zeigt die Künstler Marian Doherty, Marc Chabot und Armando Erba, die eine Vielzahl von Themen abdecken, von Naturlandschaften bis hin zu menschlichen Kämpfen und Surrealismus. Kuratiert wird es von Johnes Ruta, einem unabhängigen Kurator und Kunsttheoretiker.

Marc Chabot skizziert in seinem Stück Twinkle Star's Maelstrom eine teilweise Sternfigur.

Auf der rechten Seite des Raumes säumen Marc Chabots Pinsel-, Feder- und Tuschezeichnungen die Wände, die dunkelschwarzen Linien sind so detailliert, dass sie aus dem umgebenden weißen Feld hervorzuspringen scheinen. Die Fertigstellung seiner Stücke kann zwischen einem Tag und mehreren Wochen dauern, je nachdem, wie sehr er das Thema beherrscht.

Chabot lebt in Southbury und verdankt sein Interesse an Kunst dem Künstler Hyman Bloom aus dem 20. Jahrhundert. Mit 16 Jahren begegnete er Blooms Bildern von Fischskeletten zum ersten Mal in Bernard Chaets „Die Kunst des Zeichnens“ und war sofort fasziniert. Nach dem College hatte er die Gelegenheit, Bloom kennenzulernen und hat seitdem Blooms Konzepte in seine eigene Arbeit umgesetzt.

„Seine Arbeit ist geheimnisvoll. Er sagte: ‚Wenn man dem Betrachter zu viel mitteilt, wenn man ihm alles buchstabiert, ist das kein Geheimnis‘“, sagte Chabot. „Was mir also gefällt, ist, dass Formen am Rande des Wissens stehen.“ was sie sind, aber nicht ganz.“

Chabot verwendet mehrere Werkzeuge, um seine Zeichnungen zu erstellen, bevorzugt jedoch Sumi-Stifte, Doppelstifte mit flexiblen hohlen Gummispitzen und Pentel-Pinselstifte, die die gleiche Funktion wie ein Sumi-Stift haben, an der Spitze jedoch einen Nylonpinsel verwenden. Wenn Tinte aus dem Vinylschaft des Pentel-Pinselstifts ausläuft, entsteht ein sogenannter „trockener Pinsel“, der die federleichten Linien erzeugt, die Chabot in seiner Arbeit so mag.

Chabot's Of Snail and Turkeybone, hergestellt mit einem Pentel-Pinselstift.

Chabot leitet die Namen seiner Stücke ab, indem er nach Figuren und Formen sucht, die ihm ins Auge fallen. Er geht nie mit einer perfekt imaginären Zeichnung in den kreativen Prozess ein, sagte er; Er arbeitet lieber „spontan“ und schafft dabei Formen.

„Es muss irgendwie zu mir sprechen und mir sagen, was es werden möchte“, sagte er.

„Pinsel und Tinte sind eine asiatische Tradition, kommen aus China, Japan, Korea und all diesen Ländern und sie haben sehr, sehr spezifische Techniken für den Umgang mit dem Pinsel“, sagte er. „Auch wenn ich nicht genau beherrsche, was sie tun, stehen mir einige ihrer Techniken und Möglichkeiten, Tinte auf Papier aufzutragen, ebenfalls zur Verfügung.“

Andy Sistrand.

Andy Sistrand war an einem Samstag von den Linien von Chabots Egg Peck fasziniert und starrte intensiv darauf, während er die schwächer werdenden Linien und Formen studierte, die der Sumi-Stift erzeugte. „So etwas habe ich noch nie gesehen“, sagte er.

Als Einwohner von Bethany, der für die Show nach New Haven reiste, hatte Sistrand selbst zusätzliche Einblicke als Künstler. Über drei Jahrzehnte lang arbeitete er als Tätowierer im mittlerweile geschlossenen Studio Zee Tattooing and Body Piercing in der State Street, von dem er sich 2017 zurückzog.

Derzeit studiert er Kunstgeschichte an der Central Connecticut State University. Er sagte, er wolle im akademischen Sinne tiefer in seine Liebe zur Kunst eintauchen.

„Es ist immer gut zu sehen, wo man war, damit man leichter erkennen kann, wohin man geht“, sagte er.

Marian Doherty.

Gegenüber von Chabots komplizierten Entwürfen befanden sich Marian Dohertys beruhigende Landschaften, die die Naturwunder des Staates darstellen.

Doherty wurde in der Bronx geboren und erhielt ihren Bachelor-Abschluss in Kunstverwaltung vom New Yorker Lehman College, bevor sie Malerei und Struktur am Pratt Institute in Brooklyn studierte. Sie ließ sich schließlich in Milford nieder.

In Pratt wurde Doherty durch die Künstlerin Mary Buckley mit Ölpastellkreiden bekannt gemacht, die seit 1980 einen Kurs über Farbtheorie leitete, der ihr seit 1980 anhaftet. Sie widmete sich sofort dem Medium, kaufte eine Packung mit 125 Sennelier-Ölpastellkreiden und experimentierte mit Farbe und Mischen.

„Es hat die Größe und Form von Buntstiften, aber es hat die Konsistenz von Lippenstift“, sagte sie.

Doherty hofft, dass den Zuschauern durch ihre Kunst „ein Gefühl für die Wunder der Natur“ vermittelt wird, sagte sie. Die Herstellung ihrer Stücke dauert zwischen zwei Stunden und einem Tag.

Dohertys Walnut Beach.

Zusätzlich zu ihrer Arbeit mit Pastellfarben nutzt sie auch die Textur der Leinwand und des Papiers, um dem Werk etwas hinzuzufügen.

„Ich erlebe den Moment so wie er ist und fange das Licht ein … und die Qualität der Schönheit, die ich um mich herum sehe“, sagte sie.

In ihrem Gemälde „Walnut Beach“ hat sie beispielsweise beruhigende Gezeiten dargestellt, die ans Ufer strömen. Über dem Ufer ziehen Wolken langsam und sorglos vorbei.

„Ich habe das Papier flach gelassen, um den Sand darzustellen“, sagte sie.

Mariellen Chapdelaine und Phillip Chambers.

Bei einem kürzlichen Besuch in der Galerie am Samstag und Gesprächen mit den Künstlern waren die Gäste Mariellen Chapdelaine und Phillip Chambers aufmerksam. Chapdelaine betonte ihre Freude darüber, wie Künstler auf einer Podiumsdiskussion zusammenkommen und an einem Ort sprechen.

„So viel bekommt man nicht wirklich mit“, sagte sie. „Ich bekomme viel Kontakt zu Dingen, die mich interessieren. Es gibt mir selbst Ideen, weil ich auch Künstler bin.“

„Manchmal, wenn man einen Künstler sieht und sie darüber reden, beginnt man, ihre Arbeit besser zu verstehen und zu verstehen, was tatsächlich vor sich geht“, sagte Chambers. „Es ist interessant und hinter all dem steckt eine Geschichte.“

Er betonte die Bedeutung der Unterstützung der Gemeinschaft bei der Betrachtung der Werke von Künstlern. Für ihn hinterlässt es nicht nur einen Eindruck beim Betrachter, sondern auch beim Künstler selbst.

Frauen von Saigon (Ho-Chi-Min-Stadt) von Armando Erba.

Während der gesamten Show fühlte sich Chapdelaine besonders von Erbas Stück Women of Saigon (Ho Chi Min City) angezogen, das durch das Ansehen von Nachrichtenausschnitten über den Krieg in Saigon Ende der 1960er Jahre inspiriert wurde.

„Die Figuren in der Mitte sind phänomenal stark. Die Farben sind sehr stark gegensätzlich und es zieht mich einfach in den Bann“, sagte sie. „Und die Beschaffenheit der Haare – sie sind so blockig und lang. Das Elend, die angedeuteten Gesichter ohne konkrete Details. Es gibt eine Menge, was wirklich gut daran ist!“

Nichts an dem Stück war zufällig. Erba wollte aus einer anderen Perspektive als den Medien ein positives Licht auf das aktuelle Geschehen werfen. Er mag Acrylfarben, sagte er, wegen der kontrastierenden Dichotomie, die sie mit seiner Malerei haben. Er schildert die Ernsthaftigkeit und den dunklen Ton des Themas durch Lebendigkeit und leuchtende Farben.

„Ich wollte nur die Frauen von Saigon darstellen, die mehr sind als nur Prostituierte und vom Krieg verwüstete Menschen. Dass es immer noch Schönheit gab“, sagte er.

Während er in seinen Arbeiten ursprünglich Ölfarben verwendete, fügte Erba hinzu, dass er sich Acrylfarben zuwendet, um die Giftigkeit von Ölfarben zu vermeiden. Viele seiner Stücke stammen aus aktuellen Ereignissen und aus einem Leben, das von New Haven bis San Francisco und zurück reicht.

Während er auch beim Betrachten leerer Leinwände hängen bleibt, hat er gelernt, einfach nur Kunst zu machen, und hat diesen Rat auch anderen Kreativen gegeben.

„Nehmen Sie einfach den Pinsel und machen Sie den ersten Strich, und dann entsteht manchmal daraus das Thema.“